Blog

Jun 01, 2024

Hacia el brillo: artistas de Creativity Explored, Creative Growth y NIAD

Elias Katz, psicólogo, y Florence Ludins-Katz, artista y educadora, se mudaron al Área de la Bahía en 1966, cuando el movimiento por los derechos de las personas con discapacidad estaba ganando terreno. Mientras que los activistas en Berkeley

Elias Katz, psicólogo, y Florence Ludins-Katz, artista y educadora, se mudaron al Área de la Bahía en 1966, cuando el movimiento por los derechos de las personas con discapacidad estaba ganando terreno. Mientras los activistas en Berkeley luchaban por el acceso a los servicios públicos básicos, los Katze abogaban por la creatividad artística como un derecho humano fundamental e identificaban la necesidad de programas comunitarios para atender a las personas con discapacidades intelectuales y del desarrollo. Durante los siguientes quince años, los Katze abrieron tres estudios de arte: Creative Growth Art Center en Berkeley, que finalmente se mudó a su ubicación actual en Oakland; Fomentando la independencia a través del desarrollo artístico (NIAD) en la cercana Richmond; y su tercer estudio, Creativity Explored en San Francisco.

Into the Brightness: Artists from Creativity Explored, Creative Growth y NIAD reúne estos estudios por primera vez en una celebración de la visión de los Katz. La exposición marca un hito importante en la forma en que se presenta la relación entre discapacidad y creatividad a un amplio público. Hasta hace poco, los artistas con discapacidad eran entendidos como outsiders, dotados de un acceso enrarecido a impulsos creativos, a menudo debido a diferencias cognitivas. Into the Brightness rechaza la distinción entre outsiders y insiders y ofrece un modelo de cómo podríamos empezar a reconocer la importancia histórica de los estudios y la importancia de la producción artística que fomentan. Si bien cada estudio desarrolló su propia identidad, los tres defendieron la afirmación fundamental de los Katz de que todas las personas tienen la necesidad y el derecho de desarrollar su propia expresión creativa. Creían que no necesariamente es necesario enseñar la creatividad, sino simplemente brindarle las circunstancias adecuadas y el apoyo para desarrollarse. Into the Brightness demuestra cómo los artistas que ahora trabajan en estos estudios aún defienden la filosofía de los Katz.

El arte reunido en Into the Brightness es notablemente diverso en forma y social en la práctica. Retratos en video de artistas que contribuyeron a la muestra me dieron la bienvenida cuando entré a la exposición a través de un amplio pasillo. En la pared adyacente vi una proyección de video panorámica que documentaba las actividades diarias de los tres estudios. La primera y más grande galería de la exposición, titulada simplemente “Bienvenido”, parecía abierta y acogedora, como entrar a un estudio lleno de energía creativa y colaborativa. El gran espacio está diseñado sin dirección ni guía específica, animando a los visitantes a seguir sus propios intereses y proceder con alegría y curiosidad. Una lista de reproducción de algunas de las canciones favoritas de los artistas señala el papel fundamental de la música en el entorno del estudio. Mesas y bancos invitan a los visitantes a sentarse juntos y dibujar, mirar y escuchar. Textiles de colores brillantes cuelgan de cables colgados en la parte superior. Pequeños dibujos, pinturas y esculturas en relieve cuelgan al estilo de un salón en una gran pared. Me senté un rato y estudié el arreglo como producto de la colaboración comunitaria (similar al mural comunitario colgado cerca) y luego me concentré en cada pieza individual como resultado de una práctica diaria dedicada a la expresión individual.

Manteniéndose fiel al enfoque de la creatividad de los Katz, el trabajo expuesto trasciende cualquier regla prescriptiva sobre cómo debería verse el arte. Incluye escultura, pintura, dibujos, textiles, moda, animación, vídeo y todo lo demás. Con más de ochenta artistas de los tres estudios, la exposición transmite un fuerte sentido de identidad comunitaria al tiempo que fundamenta el trabajo en la experiencia individual de cada artista. Un chal largo tejido de colores brillantes de 2023 de Casey Byrnes se coloca sobre un vestido. En un vídeo que se reproduce al lado, Byrnes se presenta en ASL y explica que lo enviaron a la Escuela para Sordos de Iowa cuando tenía entre dos y catorce años. La escuela se negó a permitir que Byrnes firmara, lo que lo obligó a sentarse sobre sus manos y comunicarse oralmente. Ahora Byrnes se identifica como sordo y queer. “Estoy orgulloso de compartir mi cultura”, declara. Al tejer textiles y diseñar ropa, Byrnes se comunica y se expresa de maneras que un enfoque capacitista de la discapacidad le negó durante mucho tiempo.

Into the Brightness enfatiza el proceso; Los objetos expuestos son producto de la colaboración en un entorno de apoyo donde los artistas tienen tiempo para desarrollar su propia creatividad y visión artística. La obra sin título de Tranesha Smith-Kilgore de 2023 consta de tres estalactitas de tela que cuelgan desde lo alto y se ciernen sobre un montón de material amontonado debajo. Para hacer la escultura, Smith-Kilgore ató metódicamente trozos de hilo y tela alrededor de llaves, cuentas y otros objetos encontrados a lo largo de varios meses. Su forma irregular y aditiva evoca el lento desarrollo de las formas naturales y afirma la paciencia y el tiempo necesarios para que surja la creatividad artística.

La segunda sección de la exposición, “El mundo alrededor y dentro”, ofrece una mezcla de impresiones de la realidad cotidiana y futuros imaginados. Desde 2014, Jesús Salas produce Interior del Autobús, una práctica diaria para documentar su viaje al NIAD. Sus dibujos en forma de mapas registran la regularidad de su rutina, así como los cambios idiosincrásicos pero significativos que ocurren durante un largo período de tiempo. Una vitrina cercana muestra una serie de postales pintadas creadas por Mail Art Club que se desarrollaron en Creativity Explored cuando su estudio pasó a la entrega de materiales y sesiones en línea durante la pandemia. Estas prácticas ponen de relieve la necesidad humana de conexión y coherencia en un mundo impredecible y a menudo alienante.

“Lenguaje y comunicación”, la tercera sección de la exposición, presenta artistas que exploran las relaciones entre imagen y texto. Los artistas incluidos en esta sección navegan por las demandas de la comunicación con notable creatividad. El lienzo de papel de longitud corporal de Dan Miller, [obra sobre papel--desplazamiento] (2019), es una densa red de coloridas marcas de acrílico y tinta en la que los límites entre el texto y la pincelada gestual parecen desaparecer.

Otros proyectos en esta sección exploran cómo la comunicación está profundamente conectada con el entorno de uno. Our Sanctuary (2023) de Nicole Storm consta de pinturas abstractas en finos lavados de azul, naranja y rojo sobre cartón marrón, cilindros independientes y cartulinas de diferentes tamaños que cubren la superficie de un espacio hueco desde el suelo hasta el techo. Storm encuentra su material buscando en los pasillos y gabinetes de almacenamiento de Creative Growth, donde ha practicado desde 1995. Para instalar la pieza en el Museo de Oakland, Storm se recostó de espaldas en el suelo y dirigió a un miembro del personal del museo, que se cernía sobre él. en un cubo mecánico, donde colgar su trabajo. Luego pintó y dibujó en la pared entre las partes separadas para crear una instalación específica del sitio que transmite la profunda sensación de comodidad del artista con el proceso artístico.

Los activistas suelen invocar “Nada sobre nosotros, sin nosotros” como mantra del movimiento por los derechos de las personas con discapacidad. Con este espíritu, grupos asesores de artistas de cada estudio colaboraron con los curadores del Museo de Oakland para desarrollar los temas de la exposición, seleccionar la obra y diseñar la exposición. “Into the Brightness se trata de descubrir nuestro verdadero yo”, me dijo Heather Edgar, cuyas pinturas de paisajes surrealistas de colores brillantes aparecen en la exposición. "Necesitamos ser vistos y escuchados". El título también sugiere un futuro mejor, en el que las prácticas artísticas de las personas con discapacidad proporcionen modelos para la colaboración y la expresión de la alegría creativa.

pimienta stetler Es profesor de Historia del Arte y la Arquitectura en la Universidad de Miami en Oxford, Ohio. En 2023, recibió una Beca para Escritores de Arte de la Fundación Andy Warhol.